Przedstawiamy sylwetki artystów, którzy prezentują swoje prace w ramach wystawy "Udomowienie".

AGNIESZKA ALEKSANDRA BAR

Projektantka władająca szklaną materią.
Urodziła się̨ w Sudetach, w regionie o bogatych tradycjach szklarskich. Wychowała się̨ w domu, gdzie ważne miejsce zajmowało rzemiosło, wyrosła w przekonaniu że praca rąk ma dużą̨ wartość i daje innym radość z używania. To przekonanie służy jej do dzisiaj. Pociąga ją żar szklarskiego pieca. Traktuje tradycyjne techniki z szacunkiem ale i z przymrużeniem oka, często eksperymentuje by osiągnąć pożądaną wizualną metaforę. Tworzy krótkie serie i unikaty, w kooperacji z rzemieślnikami i środkami szklarskimi w Polsce i zagranicą. Projektowała m.in. dla Puro Hotels, Antonius Caviar, Tre Products czy EXPO w Dubaju. Kształciła się na Akademii Sztuk Pięknych im. Eugeniusza Gepperta we Wrocławiu, gdzie obroniła dyplom na kierunku Wzornictwo: Projektowanie szkła (2007). Studiowała sztuki użytkowe na Academy of Fine Arts and Design w Bratysławie (2006) oraz w Technic University w Libercu (2004). Odbyła praktyki zawodowe w Hucie Szkła Krosno i nieistniejącej już Hucie Szkła w Tarnowie. Była współzałożycielką Grupy Projektowej WZOROWO (2009-2014) w ramach której wraz z Agnieszką Kajper i Kariną Marusińską prowadziła działania projektowe w obszarze szkła i ceramiki, projekty artystyczne i edukacyjne. Stypendystka Ministerstwa Nauki i Szkolnictwa Wyższego. Uczestniczka prestiżowych wystaw i festiwali projektowych od 2008 roku, m.in.: London Design Festival, Salone del Mobile Milano, Paris Design Week, Vienna Design Week, Gdynia Design Days, Łódź Design Festiwal, Designblok. Laureatka Must Have, Dobry Wzór, Mazda Design Award 2019. 
“Jestem zafascynowana zjawiskami przyrody i naturą człowieka. W projektowaniu towarzyszy mi uważność i czułość, patrzę głęboko w oczy i słucham. Drażnię zmysły i umysły serwując w szklanych naczyniach pustkę dla refleksji. Tworzę obiekty i przedmioty z intencją, by wspierały nas w doświadczaniu życia, w budowaniu relacji z innymi i ze sobą samym, oraz aby pomagały nam odetchnąć w karmiącym stanie kontemplacji.”

AGNIESZKA BRZEŻAŃSKA

Ur. 1972 w Gdańsku. Studiowała na ASP w Gdańsku i Warszawie w Pracowni Malarstwa prof. Stefana Gierowskiego oraz na Tokyo National University of Fine Art and Music w ramach Stypendium Rządu Japońskiego. Jej twórczość obejmuje malarstwo, rysunek, fotografię, film, ceramikę i inne media. Brzeżańska sięga przy tym po różne rejestry wiedzy, od fizyki i filozofii po marginalizowane przez nowoczesną naukę systemy poznania, takie jak alchemia, parapsychologia, ezoteryka, wiedza tubylcza czy tradycje matriarchalne. Od 2016 wspólnie z Ewą Cieplewską organizuje Flow/Przepływ -rezydencję artystyczną na Wiśle. Współpracuje z galerią BWA Warszawa oraz NANZUKA w Tokio.

ANNA BERA

Artystka, rzeźbiarka i stolarka urodziła się w 1985 roku w Lechowie w Górach Świętokrzyskich. Od 2014 roku prowadzi autorską pracownię i warsztat stolarski w Warszawie. Anna pracuje na styku sztuki, dizajnu i rzemiosła, tworząc rzeźby użytkowe głównie wykonane z drewna. W swojej twórczości poszukuje specyficznego sposobu istnienia obiektu w przestrzeni. Artystka skupia się sposobach używania przedmiotu i na jego rytualnym znaczeniu w codziennym życiu. Bawi się definicją obiektu użytkowego, tworząc rzeźbiarskie meble, które nie zdradzają swojego zastosowania, ale zmuszają, by samodzielnie nadawać im znaczenie. Funkcja obiektu często bywa jedynie usprawiedliwieniem dla jego powstania; forma niekiedy przeczy funkcji i celowo utrudnia lub wręcz uniemożliwia użycie przedmiotu. Anna Bera jest absolwentką Wydziału Architektury i Wzornictwa Akademii Sztuk Pięknych w Poznaniu oraz technikiem snycerzem, a także wiceprezeską zarządu Stowarzyszenia Nów. Nowe Rzemiosło, wykładowczynią warszawskiej School of Form SWPS oraz stypendystką Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego. Jej prace były prezentowane na wystawach w Polsce, Europie, USA i Azji Południowo-Wschodniej.

DOMINIKA OLSZOWY

Realizuje prace na pograniczu różnych mediów, wykorzystując m.in. wideo, performans, instalację oraz specyficzną mieszankę prawdy z konfabulacją. Olszowy tworzy prace, które niekiedy traktuje jako amulety zaklinające i oswajające pogrążoną w kryzysie rzeczywistość. W swoich pracach bazuje często na doświadczeniach osobistych, przetwarza je jednak w uniwersalne, przepełnione subtelnym humorem wypowiedzi na temat ludzkiej kondycji i czasu. Od 2008 roku tworzy efemeryczną Galerię Sandra. Współtworzyła radykalną grupę hip-hopową Cipedrapskuad oraz gang motorowerowy Horsefuckers M.C. Często współpracuje z teatrem tworząc scenografie do spektakli. W 2019 roku otrzymała nagrodę „Spojrzenia - Deutsche Bank” dla najciekawszej młodej polskiej artystki ostatnich dwóch lat. Mieszka i pracuje w Warszawie.

GIZELA MICKIEWICZ

Autorka rzeźb, instalacji, cykli rysunkowych. Brała udział w wielu wystawach w kraju i za granicą, m.in. w Contemporary Art Centre w Wilnie, BOZAR w Brukseli, Contemporary Art Centre Kim? w Rydze, Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Warszawie, Zachęcie - Narodowej Galerii Sztuki w Warszawie, galerii Arsenał w Białymstoku, BWA w Zielonej Górze. Brała udział w rezydencjach artystycznych w Gasworks w Londynie, Triangle w Nowym Jorku, Karlin w Pradze. Nominowana do konkursu Spojrzenia - Nagroda Fundacji Deutsche Bank. Współpracuje z Galerią Stereo. Żyje i pracuje w Warszawie.

JAN GARNCAREK

Projektant obiektów kolekcjonerskich.
W 2012 roku ukończył Akademię Sztuk Pięknych w Warszawie. Studiował również w Politecnico di Milano, Włochy (2010). Po ukończeniu studiów Jan pracował w różnych dziedzinach projektowania. Po zdobyciu doświadczenia zawodowego, w 2017 roku wraz z Eweliną Mąkosą założył pracownię- Jan Garncarek Design. Podczas projektowania jego głównym celem jest osiągnięcie równowagi pomiędzy designem a rzeźbą, jako formą projektowania konceptualnego. Łączy formy masywne i kuliste z tymi bardziej wysublimowanymi. Zawsze poszukuje unikalnego języka ekspresji wizualnej. Wszystkie produkty Jana Garnacarka są wykonywane ręcznie.Produkowane w krótkich seriach, sygnowane i wystawiane tylko w wybranych galeriach i salonach designu w Europie, USA i Australii. Jan Garncarek brał udział w wystawach podczas Paris Design Week 2017, 2019 i Art Basel 2018, Collectible Design 2020, Como Design Festival 2022. Jego drobiazgowo wykonane obiekty są pod silnym wpływem tradycji dziadka w zakresie projektowania drobnych wyrobów. To zawsze było wielką inspiracją dla projektanta, który stoi obok swojego przedwojennego domu w Warszawie, pełnego tajemniczych starych przedmiotów. Dziś to doświadczenie nadal silnie wpływa na jego sposób projektowania różnych przedmiotów. Łączy on potrzebę nowoczesności z tradycją i to definiuje jego myślenie o współczesnym wzornictwie. Jego produkty są wykonywane w sposób nieprzemysłowy i produkowane w małych seriach, w dużej mierze oparte na pracy rzemieślniczej.

MICHAŁ KORCHOWIEC

ur. 1987, absolwent malarstwa ASP w Krakowie, artysta wizualny, scenograf teatralny, reżyser filmów dokumentalnych, designer. Jest autorem i współautorem kilkudziesięciu wystaw w kraju i za granicą, na których prezentuje swoje malarstwo, sztukę wideo i instalacje. Od 2009 roku jako autor scenografii, kostiumów i oświetlenia współpracował z wieloma reżyserami w Polsce, Niemczech, Islandii i Japonii. Autor wizualnego świata spektakli Moniki Strzępki i Pawła Demirskiego, takich jak „W imię Jakuba S.”, „Tęczowa trybuna”, „Courtney Love” czy „Nie-boska komedia”, zdobywca wielu nagród i wyróżnień. W Islandii zrealizował scenografię do spektaklu opartego na powieści Halldora Laxnessa, jedynego islandzkiego noblisty „Salka Valka”, w reżyserii Yany Ross. Współtworzył (jako scenograf) spektakle Wiktora Rubina, Wojtka Klemma, Jacka Poniedziałka, Magdy Szpecht, Tomka Cymermana. Premiera jego pełnometrażowego filmu dokumentalnego „Morgenrot” miała miejsce na 56. Krakowskim Festiwalu Filmowym i 26. Międzynarodowym Festiwalu Filmowym w Cottbus w 2016 roku. Współpracuje z Galerią @Listval_ w Reykiaviku na Islandii I Desą Unicum - Desa Home Today w Warszawie
 

OLAF BRZESKI

ur. 1975 we Wrocławiu, rzeźbiarz, autor instalacji i filmów. W latach 1994-1995 studiował na Wydziale Architektury Politechniki Wrocławskiej, a następnie od 1995 na Wydziale Rzeźby Akademii Sztuk Pięknych we Wrocławiu. Pracę dyplomową z rzeźby obronił w 2000 roku w pracowni prof. Leona Podsiadłego. Swoje prace pokazywał na wystawach indywidualnych i zbiorowych w kraju i za granicą. W 2009 roku był nominowany do konkursu „Spojrzenia” (Nagrody Fundacji Deutsche Bank) organizowanego przez warszawską Narodową Galerię Sztuki Zachęta. Nominowany do Paszportu Polityki w 2013 r. Trzykrotny stypendysta Ministerstwa Kultury. W latach 2014-2015 stypendysta NSCP W Nowym Jorku i Kunstlerhouse Bethanien w Berlinie. Tworzy rzeźby, rysunki, filmy eksperymentalne. Mieszka i pracuje we Wrocławiu.

JAN PORCZYŃSKI

ur. 1997, malarz, ilustrator, litograf. Studiuje na Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie (2017-obecnie). Prace prezentowane przez min. Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Warszawie (2021), Narodową Galerię Sztuki Zachęta (2020-21), Galerię Serce Człowieka (2020). Finalista tegorocznych edycji konkursów Artystyczna Podróż Hestii i Bielska Jesień. Prace publikowane min. w magazynach Newonce.paper, Zwykłe Życie i Wizje.

OSKAR ZIĘTA

Architekt, designer, artysta i innowator. Ukończył studia na wydziale architektury Politechniki Szczecińskiej w 2000 roku. Następnie otrzymał stypendium naukowe na Politechnice Federalnej w Zurychu, gdzie rozwinął swoje umiejętności w  projektowaniu sterowanym komputerowo i nowoczesnych technologiach produkcyjnych. Uzyskał tytuł doktora na uniwersytecie ETH w Zurychu, na którym był wykładowcą do 2017r. Do 2020r prowadził wydział wzornictwa przemysłowego na poznańskiej SOF (School of form). Laureat wielu prestiżowych nagród z dziedziny designu. Autor technologii kształtowania metalu za pomocą powietrza pod ciśnieniem - FiDU, w której tworzy kolekcję unikatowych mebli i obiektów artystycznych oraz szuka zastosowań w przemyśle. Jego stołek PLOPP (polski ludowy obiekt pompowany powietrzem) to ikona designu z 2008r, jest prezentowany w wielu muzeach świata jako stołek przyszłości. Eksperymentując z monomateriałowością i ultralekkoscią stworzył najlżejsze krzesło świata ULTRALLEGERA o wadze 1660 gram i udźwigu ponad tonę, który staje sie kolejna ikoną naszego swiata. Oskar Zieta znany jest również z realizacji form artystycznych, w tym największych obiektów w technologii free formingu jakimi są Instalacja WIR w Galerii Północnej w Warszawie i NAWA na wrocławskim Ostrowiu Tumskim, nominowana do nagrody Miesa van der Rohe roku 2019 i nagrodzona German Design Awards 2020. Pozostałe obiekty artystyczne to KONICZYNA - rzeźba dla inwestycji West Link, TAJDO - instalacja rzeźbiarska we foyer Hotelu Europejskiego, SWIETLIKI - dla inwestycji Holm House, Skanska, AXIS dla PKO BP zlokalizowana przy Rotundzie w Warszawie oraz KRAKEN w Dworze Artusa w Gdańsku. Dzięki możliwości skalowania, którą daje technologia Fidu, może tworzyć obiekty wielkoformatowe i kameralne do mieszkań i ogrodów.